El viernes próximo, a las 20, el Museo de Arte Contemporáneo inaugura cuatro nuevas muestras, una de ellas será la primera edición de Proyecto Institucional, (in)édito. Curandería: Florencia Qualina.
(in)édito, el nuevo Proyecto Institucional del Museo de Arte Contemporáneo, tiene como objetivo la realización de la primera exposición individual de un artista, acompañarlo en esta presentación inicial al público y a la comunidad artística.
(in)édito, de un modo estricto, significa escrito y no publicado y por extensión, se asigna este término para denominar en cualquier materia a todo lo desconocido y nuevo que pueda hacerse público en otras artes, como la pintura y la música. El prefijo “in” tiene un doble significado, por un lado indica “negación” o “privación” y por otro suele significar “adentro” o “al interior”.
Este doble significado encuentra sentido en este proyecto que por un lado acerca una producción “inédita” al público y por otro propone llevar “al interior”, implantar e irrumpir con un artista novel en la escena local.
En esta oportunidad, se inaugura este nuevo proyecto con el artista Antonio Morales con su muestra Crianderas.
Las obras que integran la primera exhibición individual de Morales evocan a la Criandera, y al territorio que habita a través de tres procedimientos: la resignificación de símbolos-signos; la práctica del oficio textil; el trabajo en escala monumental. Cada una de estas vías se integra en tejidos que son tramas de textos y genealogías. Fusiona arquetipo femenino nutricio y temible, con los Tagli de Lucio Fontana, ofrenda a las mujeres de su familia y a la abstracción excéntrica de Lucy Lippard.
El tronco de un árbol hueco. Del vientre que tragó a Job. Y de UN vestido de novia. Sí. Un vestido de novia que podría haber imaginado Cristóbal Balenciaga de haber vivido el viento Zonda.
Antonio Morales nació en Tucumán, Argentina (1997). Vive y trabaja entre Cafayate y Salta. En 2022 se graduó de la Facultad de Arquitectura en la Universidad Católica de Salta. Florencia Qualina es curadora y crítica independiente, sus investigaciones se centran en el arte moderno y contemporáneo.
Por su parte, la artista Loly Rodriguez presenta su nueva muestra Metáfora del Dolor. Resignificar el dolor, el miedo, las limitaciones, los mandatos… más lo incorporado desde la memoria colectiva y ancestral, lleva a la artista a una exhaustiva búsqueda y autoreflexión desde diferentes puntos de vista. Explora conceptos desde la medicina tradicional y holística, desde la biodescodificación, y desde las experiencias personales y de la interacción con otros.
La columna vertebral está situada en la parte media y posterior del cuerpo, comienza desde la base de la cabeza, recorre el cuello, tórax, el abdomen en su parte posterior y termina en la pelvis o cadera. Tiene treinta y tres vértebras y veinticuatro de ellas son móviles, que se articulan entre sí y da una gran posibilidad de movimientos: flexión, extensión, flexión lateral laterales y rotación. Es la herramienta de nuestro cuerpo que define el movimiento de todo el cuerpo.
Desde este eje central, desde estas vertebras como objeto de estudio, propone un desarrollo de conceptos e imágenes a través de la instalación, la impresión 3D, la xilografía, corte láser, objetos textiles, la pintura y la fotografía autorreferencial.
Loly Rodriguez nació en 1966 en Salta. Inició su formación en artes plásticas en los talleres infantiles de la Esc. Provincial de Bellas Artes. Realizó numerosas muestras individuales en la provincia de Salta, Buenos Aires, París, Barcelona, Miami, Nueva York y Punta del Este en diversos museos y galerías de arte.
La artista Mili D’Aiello desde la vidriera del MAC, nos adentra en el canal del nacimiento y la vegetación de yunga en la que habita, con la muestra Ecos Míos. Del mural se desprenden montañas de barro que cobran vida en el espacio. Su paisaje azul agudiza la profundidad del tiempo gestante. Textiles que son pétalos y trazos vinculares conforman la escena íntima de la artista y se vuelve resonante entre dos mundos.
Diferentes universos
Mili se describe como una mujer que trabaja diferentes universos posibles desde el color, del cual parte y habita, ya sea en la fotografía, el muralismo, el dibujo, el diseño de siluetas textiles, los tintes naturales, la cerámica, entre otros.
El color la interpela: “la repetición y el vacío, lo femenino, lo saturado y lo neutro. El registro fotográfico que se cuela conteniendo un camino abierto. La dualidad entre la invasión del color y la abstinencia del mismo”.
Sin dudas una notable artista que cuenta con gran apego de los entendidos en la materia, todavía con bastante por entregar en el mundo del arte.
Exposición colectiva
Se completa con “Formas de lo Invisible”, una exposición colectiva de: Jimena Brescia, Gimena Castellón Arrieta y Virginia Guilisasti. Curandería: Pedro Donoso.
La exposición colectiva planteada para el Museo de Arte Contemporáneo se arma a partir de las propuestas que presentan las tres artistas participantes reunidas en torno a temáticas relacionadas con los gestos y materiales cotidianos. Como una evolución de la exposición presentada en la ciudad de Chillán en noviembre de 2023, incluida en la selección oficial de Bienalsur, la muestra actual retorna a la fundamentación de un trabajo que se construye desde el montaje de instalaciones que incluyen video, fotografía y materiales cotidianos como el cartón, la felpa, distintas telas y una variedad de elementos rescatados entre los desechos.çç
Parece frágil
Formas de lo invisible parte de ese descubrimiento mínimo, para reconocer el valor de lo que ha sido dejado de lado, subyugado por el establecimiento indiscutido de la llamada “normalidad”. Este esfuerzo por reconocer lo que parece frágil e inasible mantiene un correlato político que apunta hacia una recuperación de los gestos invisibles que sostienen la agencia de la vida cotidiana. Al poner al descubierto y dar forma al poder contenido en estos gestos y acciones intrascendentes, se provoca también una pequeña emancipación asociada, comúnmente, a las situaciones que conforman el ámbito de lo femenino. De pronto, esta exposición nos propone un recorrido donde los objetos y actos de nuestra vida comienzan a mostrar una fuerza diferente, una intriga que revela la existencia del mundo de cuidados y refugios que acoge nuestra convivencia afectiva y corporal.
Virginia Guilisasti arma una obra que emplea coirón, fieltro, algodón, yuyos y otros materiales triviales para desplegar una acción colectiva. Mediante el gesto reiterado de trenzar con dichos elementos, la artista recoge el trabajo de un número de mujeres invitadas a participar en un acto de lenta liberación, inspirado en el esfuerzo de una madre inmigrante que trenzaba el cabello de su hija cada mañana.
Una artista que se destaca por su estilo único, que logró imponer a través de los años en el circuito.
Espacios de tránsito
Jimena Brescia explora la interacción con la materialidad de nuestros espacios de tránsito. En sus acciones de restitución lúdica y corporal, salen a la luz fragmentos materiales de los espacios de vida de nuestras ciudades y pueblos. Mediante la operación de recolección de elementos diversos, la artista propone asomarnos a la construcción de una especie de arqueología heterodoxa de nuestras formas de habitar el territorio.
Gimena Castellón Arrieta trabaja las narrativas en el material a través de la construcción en cartón. Sobre un gran volumen proyecta su video performance de carga y traslado en un humedal. Esta imagen poética es el eje de su producción, donde migración, trabajo, invisibilidad, mujer y esfuerzo son palabras clave. La fotografía de zapatos silenciados con cartón, suelas apilas tipo altar y pancartas de letras, amplifica temas en zona de fragilidad.